Der Dokumentarfilm erzählt die Geschichte der Tataren – der russischen Muslime, die in den deutschen Kriegsgefangenenlagern des ersten Weltkriegs zu islamistischen Kämpfern umerzogen werden sollten. Während die Deutschen versuchten, die gefangenen Tataren auf ihre Seite zu ziehen, nutzten die Tataren die Zeit in den Lagern, um sich zu bilden und Pläne für eine Befreiung von der russischen Herrschaft zu schmieden. In Deutschland erinnert heute wenig an diese Geschichte, aber im kulturellen Gedächtnis vieler Tataren hallen Erinnerungen an die Erfahrung ihrer Gefangenschaft bis heute nach.

Published in: Dastavezi | the Audio-Visual South Asia | Vol. 7 (2025)

https://hasp.ub.uni-heidelberg.de/journals/dasta/article/view/28578

This article examines the death of the Kabul-born tabla player Javed Hussain Mahmoud (1972–2024) as a lens through which to explore the fragile conditions of musical memory in the Afghan diaspora. Drawing on my long-standing engagement with Afghan musicians and on audiovisual, ethnographic, and archival materials, the text situates Javed’s biography within the larger history of Kabul’s hereditary musician community in the Kucheh Kharabat. Once central to shaping Afghanistan’s musical modernity, this community experienced displacement, marginalization, and the near-eradication of its artistic infrastructure after decades of political violence. Javed’s life—rooted in a lineage of masters yet marked by exile, ill health, and isolation—embodies this broader rupture. By weaving personal recollections, field notes, and analyses of online media traces, the text explores the tensions between lived memory, inherited artistic lineages, and algorithmically mediated forms of remembrance. It argues that the narratives articulated by musicians from the Kucheh Kharabat—insisting on their foundational role in creating Afghanistan’s modern art-music tradition—remain insufficiently recognized within dominant public discourses, both in Afghanistan and in diaspora contexts. This text is thus as much an act of remembrance as it is a methodological reflection on the media conditions under which such remembrance now takes place.

Neu erschienen im Wallstein Verlag:
Gerdien Jonker/Markus Schlaffke
Wie man Imperium buchstabiert. Das ›Tataren-Lager‹ Weinberge 1914-18

Am 19. November 1914 riefen Deutschland und die Türkei gemeinsam zum ›Jihad‹ gegen Russen, Briten und Franzosen auf. In Deutschland entstanden
islamistische Propagandalager, in denen muslimische Kriegsgefangene für die deutsch-türkische Allianz gewonnen werden sollten.
Die 18.000 russisch-muslimischen Kriegsgefangenen im Weinberglager in der Nähe von Berlin bekamen diese Politik am eigenen Leib zu spüren. Ihre
Bewacher versuchten sie mit ›islamischer‹ Propaganda zu ködern. Die Gefangenen entwickelten indes Strukturen, um westliche Bildung zu erwerben. So buchstabierten sie ihre Rolle in der imperialen Ordnung und
bereiteten ihre Unabhängigkeit vor.

https://www.wallstein-verlag.de/9783835358201-wie-man-imperium-buchstabiert.html

Ausstellung: Kunsthalle Erfurt / ACC Galerie Weimar / 06.03.2022 11:00 – 01.05.2022

Was weiß die Kunst? Auf welche Weise findet sie es heraus? Und wie gibt sie ihr Wissen weiter? Diese Fragen stellen sich im Arbeitsfeld der künstlerischen Forschung. Die in der Kunsthalle Erfurt und in der ACC Galerie Weimar stattfindende und von Anne Brannys kuratierte Ausstellung präsentiert zehn künstlerische Positionen von Promovierenden und Alumni des PhD-Studiengangs für Freie Kunst an der Bauhaus-Universität Weimar.

In this chapter, Markus Schlaffke describes a listening experiment designed to re-access the music of Felix Gotthelf’s Indian opera Mahadeva and to analyse the sounds of what had clearly been a significant cultural phenomenon. He approaches the Gesamtkunstwerk (total work of art) as a listening space in which differing experiences of the modern world were brought into harmony at the turn of the twentieth century and clarifies how, in 1910, the success and failure of an Indian opera depended not only on whether it produced an aesthetic innovation but also on whether it succeeded to bring the sphere of the religious, the experience of alterity, and colonial knowledge into play.

Auf dem Kriegsgefangenenfriedhof Zehrensdorf südlich von Berlin sind über 400 verstorbene, größtenteils muslimische Soldaten der zaristischen Armee bestattet, die im ersten Weltkrieg in deutsche Gefangenschaft geraten waren. Der Friedhof ist ein wichtiges Zeugnis für die Verwicklungsgeschichte der kolonialen Imperien im ersten Weltkrieg und für die europäische Auseinandersetzung mit dem Islam im beginnenden 20. Jahrhundert. Als der Zehrensdorfer Friedhof Anfang der 2000er Jahre restauriert wurde, war es aufgrund der dünnen Quellenlage nicht möglich, die Positionen aller Einzelgräber zu identifizieren und namentlich zu markieren. Neue Recherchen und die Synchronisierung von bisher unverbunden Archiven haben Quellen ans Licht gebracht, welche nun eine umfassende Rekonstruktion der Grablagen ermöglichen.

Die Europatournee des Indischen Menaka-Balletts von 1936-38 ist der Ausgangspunkt dieser archivologischen Navigation entlang der Spuren indischer KünstlerInnen in Europa. In einer breit angelegten Archivrecherche wurden dazu Dokumente, Fundstücke, orale Erinnerungen und ethnografische Beobachtungen aus dem Kontext der Menaka-Tournee durch das nationalsozialistische Deutschland zusammengetragen. Das Buch beschreibt den Rekonstruktionsprozess eines bedeutsamen Projekts der indischen Tanzmoderne.

Die Fotografien von zerstörten Instrumenten in den Räumen des afghanischen Rundfunks, die nach der Machtübernahme der Taliban im August 2021 bekannt wurden, sind Anlass für eine Auseinandersetzung mit der Frage, wie wir solche Konfliktbilder betrachten.
Im September 2021 wurden die zerstörten Instrumente, darunter zwei Konzertflügel, von einem britischen Journalisten fotografiert und auf Twitter geteilt. Die Taliban hatten aber nie die Verantwortung für den Zerstörungsakt übernommen.
Die Art und Weise, in der die Instrumente unkommentiert, aber unübersehbar für eine weltweite Öffentlichkeit drapiert waren, versetzt uns gezwungenermaßen in einen voyeristischen Modus, in dem wir - wie Susan Sonntag es ausdrückt - „das Leiden anderer Betrachten“. Das Bild der zerstörten Klaviere ist nach ikonografischen Gesetzen konstruiert und gehorcht den Regeln einer Ästhetik des Leidens, welche unserer Kategorien des Ethischen und Ästhetischen provoziert. Es beunruhigt einige unserer ideologischen Gewissheiten im Afghanistankonflikt. Das Klavier in Kabul soll aufrütteln, verschrecken oder zum Handeln motivieren und erfüllt in seiner Ambiguität einige der Erwartungen, die wir gemeinhin an Kunstwerke richten.
In der Auseinandersetzung mit den Bildern der zerstörten Klaviere stelle ich mir die Frage, ob das ikonoklastische Arrangement im Kabuler Rundfunkstudio in Wirklichkeit tatsächlich ein Kunstwerk ist - ein subversiv geplantes autodestruktives Bild, dass in seiner ganzen ikonografischen Komplexität wahrgenommen werden sollte und das von seinen anonymen Autoren darauf angelegt war, genau zu diesem Zweck geteilt und verbreitet zu werden.

Unter welchen sozialen, politischen und medientechnischen Bedingungen schreibt sich die Vergangenheit in mein Bewusstsein ein und wie wird dieses zum Teil eines kollektiven Gedächtnisses?
Anhand der knapp 100 Jahre alten Grammophonaufnahme des Kabuler Rubabspielers Qurban Ali gehe ich der auditiven Spur nach, welche ein dreiminütiges Musikstück aus Afghanistan bis heute zu mir in Deutschland gezogen hat. Ich bringe dazu die Erfindungsgeschichte des Edison-Phonographen, die ersten medienphilosophischen Überlegungen zur Bedeutung des „Klangschreibers“, die orale Überlieferungspraxis in Kabuls traditionellem Musikerviertel „Kucheh Kharabat“ und meine eigene musikalische Übungspraxis miteinander ins Gespräch.

Seit wir die Stimme des Phonographen hören, stellen sich bestimmte Fragen immer wieder neu: Was unterscheidet die mechanischen Erinnerungen einer Maschine von den lebendigen Erinnerungen eines Menschen? Wie zieht die Maschine eine Spur in das Material des Tonträgers und verwickelt uns so in ein weltumspannendes Netz geteilter musikalischer Erinnerung? Der Film zeichnet die Spur einer historischen Tonaufnahme nach - von ihrer Entstehung 1926 in einem Studio der indischen Grammophonkompanie in Lahore bis zu ihrem Re-Enactment mittels Phonograph im Jahr 2022.

Seit seiner Einrichtung in den 1870er Jahren hat das Kabuler Musikerviertel Kucheh Kharabat die Phantasie vieler Afghanen beflügelt. Das Viertel wurde seither als Ort betrachtet, an dem lange Zeit traditionelle Lebens- und Überlieferungsformen das Leben seiner Bewohner prägten, bis diese zunehmend in Konflikt und Austausch mit Entwicklungen der Moderne gerieten. Aus solchen Verortungen zwischen Tradition und Moderne wird heute meist die Rolle von Musik bei der Formung kultureller Identitäten in Afghanistan bestimmt.

Meist wird die Kucheh Kharabat als Ort eines traditionellen Kontinuums beschrieben und ist damit zu einer Chiffre nationalen Kulturverständnisses geworden, die beinahe verdeckt, wie der Ort neben der symbolischen, eine tatsächliche räumliche Wirkung entfaltet hat.

Warum steht gerade Musik so im Brennpunkt des Konflikts in Afghanistan?
Warum ist sie auch heute wieder so umkämpft - verpönt, verboten, verbannt, geliebt, heimlich aufgeführt, versteckt, gerettet, zurückgebracht, belebt, verteidigt? Und warum gehören Musiker und Musikerinnen in Afghanistan zu den Ersten, die die ideologischen und geopolitischen Machtkämpfe um ihr Land zu spüren bekommen?

Hinter den Kulissen des Nationbuildings erzählen Musikerinnen ihre eigenen Geschichten von der Musik Afghanistans. Ihre Erzählungen handeln von der beschwerlichen Lebenswirklichkeit von Künstlern unter den Bedingungen des anhaltenden Konflikts: von Armut, Verfolgung, Exil, Migration, der Suche nach Anerkennung und Lebensunterhalt vor allem aber von einer unerschütterlichen Liebe zu ihrer Musik, zu ihren Instrumenten und Klängen und zum künstlerischen Gedächtnis des Landes.

Der Film zeichnet nach, wie Musik in Afghanistan immer wieder zwischen die Fronten des nicht endenden Konflikts gerät und erzählt die Geschichte des Landes anhand seiner Musik - einer Sammlung von Liedern, die angesichts des neuerlichen Exodus von Künstlerinnen aus dem Land - ohne Ort bleiben.

Archives in Europe store numerous documents of India’s early 20th century dance-modernism. These documents offer an insight into a key-period of modernity - when new ideas circulated between India and Europe. This led to the creation of a modern dance repertoire in both parts of the world and brought - especially in the 1920s and 30s - international attention to the rediscovery, preservation, and re-invention of classical, performative art forms in India.

A group of historians and artists from India and Germany has collaborated over the last 5 years in a collective research project that aimed to unveil the contours of an entangled dance-history between India and Europe. The project resulted in the founding of the „Menaka-Archive“ - a database and research platform, that links traces of dance modernism between India and Germany.

Die Kunstvermittlungspraxis der Internationalen Konzertdirektion Ernst Krauss in Amsterdam 1928–1957 Markus Schlaffke In the 1920s and 1930s, the company of the German poet and impresario Ernst Krauss (1887–1958) played a key role in the production and promotion of contem-porary international dance projects in Europe. Krauss worked on the basis of a ro-mantic poetology as an critical perspective towards modernity and thus developed a specific concept of aesthetic experience. In this paper I trace a distinctive transfer of religious and aesthetic experiences between Asia and Europe in the performative arts at the beginning of the 20th century, based on the literary work and practice of Ernst Krauss’s company.

Schlaffke, Markus (2020). Produktionslogiken ästhetischer Erfahrung. Die Kunstvermittlungspraxis der Internationalen Konzertdirektion Ernst Krauss in Amsterdam 1928–1957. In: Isabella Schwaderer/Katharina Waldner/, Annäherungen an das Unaussprechliche (199-224). Bielefeld: transcript Verlag. https://doi.org/10.14361/9783839447253-009

Book DOI: https://doi.org/10.14361/9783839447253

Online ISBN: 978-3-8394-4725-3

https://www.transcript-verlag.de/978-3-8376-4725-9/annaeherungen-an-das-unaussprechliche/

Sarod-maestro Irfan Khan is the representative of a musical dynasty in India - the Lucknow-Shahjahanpur-Gharana. Irfans anchestors shaped classical Indian music. Among them was Sakhawat Hussein Khan, Irfans grandfather, who was one of the first Indian musicians to perform on European stages in the 1930s.Filmmaker Markus Schlaffke follows Irfan Khan beginning in 2014, when Irfan returns to India after having taught music abroad for several years, to resume his concert career and to arrange the family affairs.

From there on, the film documents Irfans efforts to take care about his musical heritage, which he is afraid could be falling into oblivion soon. Without institutional support, Irfans preservational undertaking becomes at times a frustrating business - or as Irfan puts it: “It feels like an albatross around the neck!”. The film tells the story of some of the most influential Indian musicians. It turns out to become a journey through a landscape of memories that begins in Lucknow’s palaces and leads to German archives.

Der vierzehnjährige Junge Elham Fanooz lebt in Kabul. Er besucht eine Musikschule und entdeckt dort die Liebe zum Klavier. Erstaunlich schnell kommt er auf dem Instrument voran und fasst den Entschluss, Pianist zu werden. Als Elham die Chance bekommt, an einem Musikgymnasium in Deutschland vorzuspielen ist seine Freude groß. Aber um Konzertpianist zu werden, fehlen ihm wertvolle Jahre des Übens. Damals war im zerstörten Kabul an Klavierspielen nicht zu denken.